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jueves, 10 de noviembre de 2011
jueves, 3 de noviembre de 2011
EL LIBRO DE LAS MARAVILLAS, DE FERNANDO CLEMOT (BARATARIA EDICIONES) YA EN LAS LIBRERÍAS. LAS PRESENTACIONES SE ANUNCIARÁN PRÓXIMAMENTE.
Cuando miraba por el catalejo al que me subía mi padre suponía que me aguardaba una vida llena de emociones y aventuras.
El libro de las maravillas, de Fernando Clemot.
Fernando Clemot nació en Barcelona en 1970. Ha obtenido premios como el Setenil de relatos en 2009 o el Kutxa Ciudad de San Sebastián 2006. Ha publicado el libro de cuentos Estancos del Chiado (Paralelo Sur Ediciones, 2009), que obtuvo el premio Setenil 2009; la novela El golfo de los Poetas (Barataria, 2009), finalista de los premios Ateneo de Sevilla y Logroño de novela y que representó a España en el European First Novel Festival; y en italiano, junto a Klaus Zilles, la antología En la frontera: I migliori racconti della letteratura chicana (Gran Vía Edizioni: Milán, 2008). Ha participado en las antologías Siglo xxi: Los nuevos nombres del cuento español (Menoscuarto, 2010), Tiempo narrado (Paralelo Sur, 2010) y Al otro lado del espejo: Narrando contracorriente (Ediciones Escalera, 2011).
En este momento imparte talleres de narrativa creativa en el Laboratorio de Escritura de Barcelona y en la Universitat Autònoma de Barcelona. Ha colaborado en las revistas literarias Quimera, Barcarola, Culturamas, Literaturas, El problema de Yorick, Revista de Letras, Calidoscopio, La Jiribilla, El Otro, Kafka, Ajícara, Paralelo Sur o La Siega.
Sabiendo ya cercano el final de su vida, el narrador de El libro de las maravillas ingresa en una clínica de reposo donde se ve obligado a hacer balance. Convencido de que lo experimentado hasta entonces no ha valido gran cosa, decide elaborar una suerte de catálogo de vidas no vividas. Es así como, tomando por modelo el libro de Marco Polo, va recopilando historias ajenas con el convencimiento de que «un cambio radical en el presente puede modificar de forma definitiva nuestro pasado». Llevado por una curiosidad insaciable por el prójimo, va dejando constancia escrita de las vivencias de otros pacientes, como Bridoso y su invierno de emigrante en Hamburgo, donde fue testigo de una trágica inundación, o Bessa, cuya travesía en el maltrecho Ponta do Sol por el Mar del Norte acabó en naufragio. Y entre estas vicisitudes y las de otros personajes –todos con su historia a cuestas– que pueblan la clínica Dantas, va urdiendo una narración calidoscópica que le permite compensar las carencias de su pasado.
Con El libro de las maravillas, Fernando Clemot logra un entramado de voces que van solapándose hasta dar cuerpo a una historia única e insólita, una novela de novelas que constituye una rotunda apuesta por el poder reparador de la palabra.
Eduardo Iriarte
Fernando Clemot nació en Barcelona en 1970. Ha obtenido premios como el Setenil de relatos en 2009 o el Kutxa Ciudad de San Sebastián 2006. Ha publicado el libro de cuentos Estancos del Chiado (Paralelo Sur Ediciones, 2009), que obtuvo el premio Setenil 2009; la novela El golfo de los Poetas (Barataria, 2009), finalista de los premios Ateneo de Sevilla y Logroño de novela y que representó a España en el European First Novel Festival; y en italiano, junto a Klaus Zilles, la antología En la frontera: I migliori racconti della letteratura chicana (Gran Vía Edizioni: Milán, 2008). Ha participado en las antologías Siglo xxi: Los nuevos nombres del cuento español (Menoscuarto, 2010), Tiempo narrado (Paralelo Sur, 2010) y Al otro lado del espejo: Narrando contracorriente (Ediciones Escalera, 2011).
En este momento imparte talleres de narrativa creativa en el Laboratorio de Escritura de Barcelona y en la Universitat Autònoma de Barcelona. Ha colaborado en las revistas literarias Quimera, Barcarola, Culturamas, Literaturas, El problema de Yorick, Revista de Letras, Calidoscopio, La Jiribilla, El Otro, Kafka, Ajícara, Paralelo Sur o La Siega.
Sabiendo ya cercano el final de su vida, el narrador de El libro de las maravillas ingresa en una clínica de reposo donde se ve obligado a hacer balance. Convencido de que lo experimentado hasta entonces no ha valido gran cosa, decide elaborar una suerte de catálogo de vidas no vividas. Es así como, tomando por modelo el libro de Marco Polo, va recopilando historias ajenas con el convencimiento de que «un cambio radical en el presente puede modificar de forma definitiva nuestro pasado». Llevado por una curiosidad insaciable por el prójimo, va dejando constancia escrita de las vivencias de otros pacientes, como Bridoso y su invierno de emigrante en Hamburgo, donde fue testigo de una trágica inundación, o Bessa, cuya travesía en el maltrecho Ponta do Sol por el Mar del Norte acabó en naufragio. Y entre estas vicisitudes y las de otros personajes –todos con su historia a cuestas– que pueblan la clínica Dantas, va urdiendo una narración calidoscópica que le permite compensar las carencias de su pasado.
Con El libro de las maravillas, Fernando Clemot logra un entramado de voces que van solapándose hasta dar cuerpo a una historia única e insólita, una novela de novelas que constituye una rotunda apuesta por el poder reparador de la palabra.
Eduardo Iriarte
domingo, 23 de octubre de 2011
ACTIVIDADES PROGRAMADAS EN EL ESPAI LA BOHÈMIA-EL NOSTRE RACÓ PARA LA ÚLTIMA SEMANA DE OCTUBRE Y NOVIEMBRE
Os adjuntamos las actividades que tenemos programadas para el Espai Bohèmia en la última semana de octubre y noviembre*.
Esperamos que sean de vuestro agrado.
Miércoles, 2 de noviembre, 22 horas: Jam de microrelato con GINÉS CUTILLAS+JESÚS ESNAOLA
Miércoles, 9 de noviembre, 22 horas: Lectura de cuentos y relatos a cargo de FERNANDO CLEMOT.
Jueves, 10 de noviembre, 22 horas: Actuación de la cantante LYDIA PETERS
Martes, 15 de noviembre, desde la apertura: OUBLIER LA CRISE: NOCHE FRANCESA con chanson, música y bebidas que le darán un sabor especial a la noche.
Miércoles, 16 de noviembre, a las 20 horas: PRESENTACIÓN DEL LIBRO DE RELATOS "OBTURADOR Y DIAFRAGMA" (Paralelo Sur Ediciones) de Paola Chapa Arciniega.
Jueves, 17 de noviembre, 22 horas: Actuación en directo de DONO ARANGO+CARLOS LAGE (Havana con Kola)
Miércoles, 23 de noviembre, 22 horas: Jam poética con PEDRO LUIS CANO+PAYASO MANCHEGO
Jueves, 24 de noviembre, 22 horas: LA MALDITA MÚSICA+LA PUTA POESÍA (RECIERTO: Recital poético+concierto)
Jueves, 24 de noviembre, 22 horas: LA MALDITA MÚSICA+LA PUTA POESÍA (RECIERTO: Recital poético+concierto)
*Los recitales y actuaciones se irán publicitando por separado y están sujetos a cualquier cambio en fecha y horarios por alguna eventualidad. El calendario también puede verse ampliado.
jueves, 29 de septiembre de 2011
CURSOS DE NARRATIVA EN EL LABORATORIO DE ESCRITURA DE BARCELONA A PARTIR DE OCTUBRE
Enlaces para los cursos presenciales, virtuales y el programa continuo de narrativa que llevo en el Laboratorio de Escritura de Barcelona. Espero que os pueda interesar.
EL CURSO PRESENCIAL DE INICIACIÓN A LA NARRATIVA pretende introducirte en el proceso de creación y escritura de textos cortos y cuentos, revisando los diversos aspectos internos que comprende el trabajo del escritor. Dirigido a todas las personas que quieran descubrir los recursos literarios e iniciarse en la experiencia literaria.
http://laboratoriodeescrit
narrativa/narrativa-introd
EL CURSO AVANZADO DE NARRATIVA ON LINE está orientado al desarrollo y profundización de la escritura narrativa de textos breves y cuentos. Se estudiará la evolución de la narrativa a través de las corrientes realista y fantástica, y, a su vez, las estrategias de redacción y composición de un libro de cuentos.
http://laboratoriodeescrit
narrativa/narrativa-avanza
EL PROGRAMA CONTINUO DE NARRATIVA
está destinado a proyectos narrativos en marcha. El programa se desarrolla a partir de los escritos que presentan los alumnos a lo largo del curso. A través de la lectura, revisión y discusión de los mismos, el profesor orientará al alumno respecto a las diferentes técnicas y modalidades de escritura.
El Programa está creado para dar la forma más personalizada posible a las necesidades del alumno y su tipo de escritura. No se imparten fórmulas de escritura ni se impone ningún modelo a seguir; más bien, es lo contrario se le dará al alumno todas las sugerencias posibles para incentivar sus capacidades creativas, estilística y literarias, orientándolo a reforzar su posible línea de trabajo. Al inicio del curso el alumno deberá presentar un resumen del proyecto de libro en el que trabaja y que continuará desarrollando a lo largo del programa.
http://laboratoriodeescrit
http://laboratoriodeescrit
narrativa/narrativa-introd
EL CURSO AVANZADO DE NARRATIVA ON LINE está orientado al desarrollo y profundización de la escritura narrativa de textos breves y cuentos. Se estudiará la evolución de la narrativa a través de las corrientes realista y fantástica, y, a su vez, las estrategias de redacción y composición de un libro de cuentos.
http://laboratoriodeescrit
narrativa/narrativa-avanza
EL PROGRAMA CONTINUO DE NARRATIVA
está destinado a proyectos narrativos en marcha. El programa se desarrolla a partir de los escritos que presentan los alumnos a lo largo del curso. A través de la lectura, revisión y discusión de los mismos, el profesor orientará al alumno respecto a las diferentes técnicas y modalidades de escritura.
El Programa está creado para dar la forma más personalizada posible a las necesidades del alumno y su tipo de escritura. No se imparten fórmulas de escritura ni se impone ningún modelo a seguir; más bien, es lo contrario se le dará al alumno todas las sugerencias posibles para incentivar sus capacidades creativas, estilística y literarias, orientándolo a reforzar su posible línea de trabajo. Al inicio del curso el alumno deberá presentar un resumen del proyecto de libro en el que trabaja y que continuará desarrollando a lo largo del programa.
http://laboratoriodeescrit
lunes, 26 de septiembre de 2011
UNA LECTURA RECOMENDADA: FILOSOFÍA DEL TEDIO ( Lars Svendsen, Tusquets Editores: 2006)
No se trata de una novedad editorial pero sí que creo que es un libro muy interesante y recomendable, aunque quizá recomiendo leerlo con un estado de ánimo alto. Sea como sea es una lectura muy rica.
Filosofía del tedio, de Lars Svendsen, analiza con ejemplos y con una pequeña síntesis cronológica el fenómeno del tedio en el mundo occidental. Hay incontables citas y apoyos para entender este proceso que en el mundo del arte ha derivado en muchas ocasiones hacia una forma total de tedio, el tedio existencial, una suerte de vacío de emociones que supongo que a todos nos ha embargado en alguna ocasión.
Los ejemplos y citas del mundo de la literatura y de algunas versiones trasladadas al cine (Crash, American Psycho...) o a la pintura (Warhol) son muy apropiadas y completan una visión general del fenómeno y su despliegue en el mundo de la literatura y el arte
Señalo algunas citas que me han parecido brillantísimas:
"¿Dónde está la vida que perdimos viviendo? / ¿Dónde está la sabiduría que perdimos en el conocimiento?/ ¿Dónde está el conocimiento que perdimos en la información?"
T.S. Elliot
"Podemos contar hasta ochenta y ocho grados de melancolía, ya que cada uno se ve afectado por ella de un modo distinto..."
Robert Burton: Anatomía de la melancolía (1621)
"El tedio carece del encanto de la melancolía, un encanto ligado a la tradiciónal conexión entre melancolía y sabiduría, sensibilidad, belleza. Por esta razón el tedio no resulta tan atractivo a los estetas..."
L. Svendsen: pág.24.
"Para el ser humano, tal y como es hoy, no hay más que una novedad auténtica; siempre la misma: la muerte".
Walter Benjamin: Zentralpark.
"La vida es hueca, el alma es hueca, el mundo es hueco. Todos los dioses mueren de una muerte mayor que la muerte. Todo está más vacío que el vacío. Todo es un caos de nada".
Fernando Pessoa: El libro del desasosiego.
"Por lo general, la vida humana oscila de un lado a otro entre el dolor y el tedio".
Arthur Schopenhauer.
"El problema al que se enfrenta el sujeto moderno, a partir de Kant y Schopenhauer, es cómo llenar el vacío de sentido que crea la ausencia de Dios".
L. Svendsen: pág.77
"El sexo es matemática. La individualidad ha dejado de ser un problema. ¿Qué significa inteligencia? Define la razón. El deseo: un sinsentido. El intelecto no constituye un remedio. La justicia está muerta. El temor, el reproche, la inocencia, la compasión, la culpa el derroche, el fracaso, la pesadumbre, eran cosas, emociones, que todos habían dejado de sentir. La reflexión es inútil, el mundo no tiene sentimientos. La maldad es su único signo de permanencia. Dios no vive ya. Las apariencias, las apariencias, las apariencias eran lo único en lo que todos hallaban sentido...Así era como yo veía la civilización: un coloso con dientes..."
Bret Easton Ellis: American Psycho.
"En un mundo de vacío, el extremismo se perfila como una tentadora sensación de alivio ante el tedio".
L.Svendsen: pág.103
"El antropocentrismo generó el tedio y, en el momento en que el tecnocentrismo vino a sustituirlo, el tedio se agudizó aún más".
L.Svendsen: pág.110
"El arte es la apoteosis de la soledad".
Samuel Beckett
viernes, 12 de agosto de 2011
ÚLTIMA ESTACIÓN
Posiblemente las décadas que nos han tocado vivir sean las de transición hacia el imperio absoluto del medio audiovisual, de la muerte de la palabra sustituída por la imagen, por el vértigo seductor de lo explícito.
Sin apenas reparar vivimos en una última estación de ambigüedad, átona y desabrida, poco antes de entrar en el reino caníbal de la imagen.
domingo, 4 de abril de 2010
EGON SCHIELE, EL ÁNGEL NEGRO DEL EXPRESIONISMO
EGON SCHIELE (1890-1918)
Fue uno de los alumnos más destacados de Gustav Klimt y junto con Oskar Kokotcha conforma lo que se daría en llamar años más tarde como expresionismo austríaco.
Egon Schiele nació en Tulln, en la actual Austria entonces Imperio Austrohúngaro, en 1890. Su padre era jefe de estación y procedía del norte de Alemania; su madre originaria de Krumau, en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.
Egon Schiele en 1914. Foto de Josef Trucka
En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.
En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.
En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).
Schiele frente al espejo, 1915.
Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.
Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos. En 1913 empezó a colaborar en Die Aktion.
Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. Durante el breve lapso de tiempo que separó sus muertes, Schiele realizó unos bocetos de Edith, que se consideran su última obra. Meses antes, en febrero de ese año, también había acabado la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.
En cuanto a la temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.
Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.
ARCHIVO: COMPOSICIÓN SOBRE LA OBRA DE EGON SCHIELE CON MÚSICA DE WIM MAERTENS
http://www.youtube.com/watch?v=Ka60G4WR9AA
Egon Schiele nació en Tulln, en la actual Austria entonces Imperio Austrohúngaro, en 1890. Su padre era jefe de estación y procedía del norte de Alemania; su madre originaria de Krumau, en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.
Egon Schiele en 1914. Foto de Josef TruckaEn 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.
En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.
En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).
Schiele frente al espejo, 1915.Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.
Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos. En 1913 empezó a colaborar en Die Aktion.
Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zúrich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. Durante el breve lapso de tiempo que separó sus muertes, Schiele realizó unos bocetos de Edith, que se consideran su última obra. Meses antes, en febrero de ese año, también había acabado la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.
En cuanto a la temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.
Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte en una suerte de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte y sobre todo la incertidumbe.
ARCHIVO: COMPOSICIÓN SOBRE LA OBRA DE EGON SCHIELE CON MÚSICA DE WIM MAERTENS
http://www.youtube.com/watch?v=Ka60G4WR9AA
domingo, 21 de marzo de 2010
VIRUTAS DE MODERNIDAD (IV): CÉSAR MANRIQUE
CÉSAR MANRIQUE (1919-1992)
César Manrique (1919-1992) nació en Arrecife, Lanzarote, isla en la que su trayectoria artística ha dejado huellas imborrables.
Tras finalizar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid (ciudad en la que vivió entre 1945 y 1964), expone con frecuencia su pintura tanto dentro como fuera de España. Participa en la XXVIII y XXX Bienal de Venecia (1955 y 1960) y en la III Bienal Hispanoamericana de La Habana (1955). En la primera mitad de los cincuenta, se adentra en el arte no figurativo e investiga las cualidades de la materia hasta convertirla en la protagonista esencial de sus composiciones a partir de 1959. Se vincula así, al igual que otros pintores españoles como Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Manuel Millares..., al movimiento informalista de esos años.
Viaja por diversas partes del mundo y, en 1964, se traslada a vivir a Nueva York. El conocimiento directo del expresionismo abstracto americano, del arte pop, la nueva escultura y el arte cinético, le proporcionó una cultura visual fundamental para su trayectoria creativa posterior. En Nueva York, expuso individualmente en tres ocasiones, en 1966, 1967 y 1969, en la galería Catherine Viviano.
En 1966, regresa de manera definitiva a Lanzarote. En la isla, que iniciaba entonces su desarrollo turístico, promueve un modelo de intervención en el territorio en claves de sostenibilidad que procuraba salvaguardar el patrimonio natural y cultural insular; modelo que fue determinante en la declaración de Lanzarote como Reserva de la Biosfera por la UNESCO en 1993.
Paralelamente al compromiso con el territorio insular, Manrique abrió su trabajo creativo hacia otras manifestaciones artísticas. Así, elaboró un nuevo ideario estético, al que denominó arte-naturaleza/naturaleza-arte, que pudo concretar en sus obras paisajísticas, un ejemplo singular de arte público en España: Jameos del Agua, su casa de Tahíche, hoy sede de la Fundación César Manrique, Mirador del Río, Jardín de Cactus, etc.
Los trabajos suponen la incorporación de un nuevo plano paisajístico a Lanzarote, producido desde la estética artística, pero también desde una propuesta turística singular que tuvo una incidencia económica notable en la vida insular. Este funcionalismo económico y social del arte de Manrique es inédito en la cultura plástica española.
Además de sus intervenciones en Lanzarote, ideó diferentes propuestas en otras islas. Fuera del archipiélago canario, diseñó el Parque Marítimo del Mediterráneo (Ceuta), el Centro comercial Madrid-2 La Vaguada (Madrid), etc. Son intervenciones, obra pública fundamentalmente, miradores, jardines, acondicionamientos de espacios degradados, reformas del litoral..., en las que se mantiene un diálogo respetuoso con el medio natural, integra diversas artes desde una perspectiva funcional, y se ponen en relación valores arquitectónicos de la tradición local con concepciones modernas.
Cultivador de diversos lenguajes creativos -pintura, escultura, urbanismo, arte público...-arte total, en sus palabras- que hizo explícito en sus diseños de espacios públicos. Un esfuerzo de armonización, en definitiva, que no sólo hace referencia a su pasión por la belleza, sino también por la vida. Martiánez, (Puerto de la Cruz, Tenerife); Mirador de El Palmarejo (La Gomera); Mirador de La Peña (El Hierro) subyace en el conjunto de su producción artística una manifiesta voluntad de integración con el entorno. Propósito sincrético y totalizador
César Manrique (1919-1992) nació en Arrecife, Lanzarote, isla en la que su trayectoria artística ha dejado huellas imborrables.
Tras finalizar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid (ciudad en la que vivió entre 1945 y 1964), expone con frecuencia su pintura tanto dentro como fuera de España. Participa en la XXVIII y XXX Bienal de Venecia (1955 y 1960) y en la III Bienal Hispanoamericana de La Habana (1955). En la primera mitad de los cincuenta, se adentra en el arte no figurativo e investiga las cualidades de la materia hasta convertirla en la protagonista esencial de sus composiciones a partir de 1959. Se vincula así, al igual que otros pintores españoles como Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Manuel Millares..., al movimiento informalista de esos años.
Viaja por diversas partes del mundo y, en 1964, se traslada a vivir a Nueva York. El conocimiento directo del expresionismo abstracto americano, del arte pop, la nueva escultura y el arte cinético, le proporcionó una cultura visual fundamental para su trayectoria creativa posterior. En Nueva York, expuso individualmente en tres ocasiones, en 1966, 1967 y 1969, en la galería Catherine Viviano.
En 1966, regresa de manera definitiva a Lanzarote. En la isla, que iniciaba entonces su desarrollo turístico, promueve un modelo de intervención en el territorio en claves de sostenibilidad que procuraba salvaguardar el patrimonio natural y cultural insular; modelo que fue determinante en la declaración de Lanzarote como Reserva de la Biosfera por la UNESCO en 1993.
Paralelamente al compromiso con el territorio insular, Manrique abrió su trabajo creativo hacia otras manifestaciones artísticas. Así, elaboró un nuevo ideario estético, al que denominó arte-naturaleza/naturaleza-arte, que pudo concretar en sus obras paisajísticas, un ejemplo singular de arte público en España: Jameos del Agua, su casa de Tahíche, hoy sede de la Fundación César Manrique, Mirador del Río, Jardín de Cactus, etc.
Los trabajos suponen la incorporación de un nuevo plano paisajístico a Lanzarote, producido desde la estética artística, pero también desde una propuesta turística singular que tuvo una incidencia económica notable en la vida insular. Este funcionalismo económico y social del arte de Manrique es inédito en la cultura plástica española.
Además de sus intervenciones en Lanzarote, ideó diferentes propuestas en otras islas. Fuera del archipiélago canario, diseñó el Parque Marítimo del Mediterráneo (Ceuta), el Centro comercial Madrid-2 La Vaguada (Madrid), etc. Son intervenciones, obra pública fundamentalmente, miradores, jardines, acondicionamientos de espacios degradados, reformas del litoral..., en las que se mantiene un diálogo respetuoso con el medio natural, integra diversas artes desde una perspectiva funcional, y se ponen en relación valores arquitectónicos de la tradición local con concepciones modernas.
Cultivador de diversos lenguajes creativos -pintura, escultura, urbanismo, arte público...-arte total, en sus palabras- que hizo explícito en sus diseños de espacios públicos. Un esfuerzo de armonización, en definitiva, que no sólo hace referencia a su pasión por la belleza, sino también por la vida. Martiánez, (Puerto de la Cruz, Tenerife); Mirador de El Palmarejo (La Gomera); Mirador de La Peña (El Hierro) subyace en el conjunto de su producción artística una manifiesta voluntad de integración con el entorno. Propósito sincrético y totalizador
Algunos espacios diseñados
- Jameos del agua fue realizado sobre una idea de César Manrique en 1968. Un jameo es un tubo volcánico generado por el flujo de lava en su interior al que se la ha desprendido la parte superior. Los Jameos del Agua está formado por el "jameo chico" (donde se ubica un restaurante) y el "jameo grande" donde se encuentra una piscina rodeada por un jardín. En 1987 se construyó un auditorio para 600 personas dentro de éste jameo.
- El Taro de Tahíche. Su casa, construida en 1968, aprovechando el espacio natural de cinco burbujas volcánicas. Es la actual sede de la Fundación César Manrique y en la misma se puede apreciar parte de la obra del artista, así como obras de otros artistas, que son propiedad de la fundación. Tiene más de mil metros de superficie habitable, en dos niveles.
- Mirador del Río: está situado en el norte de la isla, en el Risco de Famara. Excavado en la roca de un acantilado en el lugar donde se situaba una antigua batería de artillería costera, ofrece una vista privilegiada del archipiélago Chinijo. El Mirador dispone de un restaurante con varias terrazas y ventanales. Fue realizado en 1973 por César Manrique, que modificó el proyecto inicial de Fernando Higueras con la colaboración de Jesús Soto y Eduardo Cáceres. Está formado por dos cúpulas enterradas para disminuir el impacto visual.
- El Lago de la Costa Martiánez situado en el Puerto de la Cruz. Construido en 1977 se trata de un complejo de ocio formado por un lago central artificial con un conjunto de piscinas, jardines, terrazas, restaurantes, etc. con el protagonismo de la piedra volcánica. También acoge una serie de esculturas de César Manrique.
- Jardines y piscinas del Hotel las Salinas en Costa Teguise, junto con una serie de murales. El proyecto del hotel, de corte aún racionalista y concluido en 1977, es obra de Fernando Higueras.
- Centro Comercial La Vaguada de Madrid. Inaugurado en 1983. Fue el primer centro comercial de España integrado perfectamente en el entorno natural.
- Mirador de La Peña. Inaugurado en 1989 en la isla de El Hierro. En él se aloja un restaurante con amplios ventanales y con vistas al valle de El Golfo.
- Jardin de Cactus. Inaugurado 1990 en lo que era una antigua cantera de Guatiza. Última obra de César Manrique en Lanzarote. El jardín alberga una gran cantidad de especies de cactus de Canarias y de otras partes del mundo.
- Playa Jardín. El Puerto de la Cruz volvió a contar con el artista en 1992. La playa fue totalmente remodelada: extensas zonas ajardinadas, bares y restaurantes, escollera, etc.
- Parque Marítimo César Manrique. Zona de ocio en Santa Cruz concebido al inicio de la década de los 90 consiguiéndose una regeneración del litoral. Piscinas, fuentes, etc. con el respeto a la naturaleza que caracterizó al artista.
- Mirador de El Palmarejo. Proyecto de 1989 en La Gomera, inaugurado en 1995. Integrado perfectamente en el paisaje alberga un restaurante-escuela.
- Parque Marítimo del Mediterráneo terminado en 1995 en Ceuta. Muy similar al complejo Martiánez del Puerto de la Cruz: lagos, jardines, solariums, etc.
- Horno Asador del Timanfaya, un establecimiento gastronómico ubicado en el Parque Nacional, cuya particularidad es un horno-asador que aprovecha la energía geotérmica para la cocción de los alimentos.
sábado, 6 de marzo de 2010
VIRUTAS DE MODERNIDAD (III):MANOLO MILLARES
MANOLO MILLARES (1926-1972)
Manuel Millares Sall, que sería conocido siempre como Manolo Millares fue cofundador del grupo El Paso en 1957, uno de los más importantes del arte de vanguardia español. El pintor, en sus inicios, pinta paisajes, cuadros de figuras y autorretratos cuyo estilo recuerda a los de Van Gogh. Desde 1949 se dedica de forma preferente a la pintura abstracta. Sus trabajos más representatos los realizará desde entonces con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura. Los materiales citados eran luego cubiertos con capas chorreantes de pintura, de colores negro, blanco y rojo.
Millares había nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1926 su familia permanece en Lanzarote, durante la Guerra Civil hecho que le hace tomar un contacto directo con una naturaleza tan sobrecogedora como la de esta isla. Aquí realizará sus primeros dibujos del natural. Será el surrealismo quien ejerce en él gran influencia, de esta época (1949) datan sus primeros Pictogramas. En 1948 expone individualmente en el Museo Canario, lugar fundamental en el devenir artístico de Millares. En él ha contemplado las momias guanches, vasijas y otros objetos expuestos que ejercerán, en sus palabras, una honda impresión reflejada en su pintura, muy en especial en los siguientes años. El pintor atraviesa una etapa de influencia surrealista, con ecos dalinianos, mostrada en su “Exposición Superrealista” en el Museo Canario. En las obras de esta época a veces incluye poemas en sus obras de sus hermanos Agustín y José María Millares y de Ventura Doreste.
Más tarde entabla amistad con la escuela de Altamira y es uno de los colaboradores de LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneos). Después de ahondar en la idiosincrasia canaria como temática de sus obras, pasa a investigar las superficies, la materia y las texturas. A partir de ahí elaborará sus arpilleras, donde combina arena y madera. En el año 1955 realiza sus Perforaciones. Participa en la creación del grupo El Paso, que influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. El viaje que realiza al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, da como resultado un predominio del blanco de la arena especialmente. A esta fase le sigue otra titulada Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados y convertidos en fantásticos. Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos, que provocan en el espectador una intensa reacción emocional. Su obra, dentro del más puro informalismo, se exhibe en numerosos museos de todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.
En 1970 Manolo Millares rueda, junto a Elvireta Escobio, un documental de unos veintidós minutos de duración, que se reeditaría en 2002.
Tras su fallecimiento se sucedieron exposiciones individuales de carácter retrospectivo. Entre ellas destaquemos las celebradas en Madrid (1973 y 1992), Bielefeld (1992), Las Palmas de Gran Canaria (1992) y Santiago de Compostela (1998).
En 2004 se publica su catálogo razonado de Pinturas (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Fundación Azcona.
Entre sus obras destaca su serie Homúnculos. En 2005 se produce el documental Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares, con guión y dirección de Juan Millares Alonso, en el que se narra su vida.
Manuel Millares Sall, que sería conocido siempre como Manolo Millares fue cofundador del grupo El Paso en 1957, uno de los más importantes del arte de vanguardia español. El pintor, en sus inicios, pinta paisajes, cuadros de figuras y autorretratos cuyo estilo recuerda a los de Van Gogh. Desde 1949 se dedica de forma preferente a la pintura abstracta. Sus trabajos más representatos los realizará desde entonces con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura. Los materiales citados eran luego cubiertos con capas chorreantes de pintura, de colores negro, blanco y rojo.
Millares había nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1926 su familia permanece en Lanzarote, durante la Guerra Civil hecho que le hace tomar un contacto directo con una naturaleza tan sobrecogedora como la de esta isla. Aquí realizará sus primeros dibujos del natural. Será el surrealismo quien ejerce en él gran influencia, de esta época (1949) datan sus primeros Pictogramas. En 1948 expone individualmente en el Museo Canario, lugar fundamental en el devenir artístico de Millares. En él ha contemplado las momias guanches, vasijas y otros objetos expuestos que ejercerán, en sus palabras, una honda impresión reflejada en su pintura, muy en especial en los siguientes años. El pintor atraviesa una etapa de influencia surrealista, con ecos dalinianos, mostrada en su “Exposición Superrealista” en el Museo Canario. En las obras de esta época a veces incluye poemas en sus obras de sus hermanos Agustín y José María Millares y de Ventura Doreste.
Más tarde entabla amistad con la escuela de Altamira y es uno de los colaboradores de LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneos). Después de ahondar en la idiosincrasia canaria como temática de sus obras, pasa a investigar las superficies, la materia y las texturas. A partir de ahí elaborará sus arpilleras, donde combina arena y madera. En el año 1955 realiza sus Perforaciones. Participa en la creación del grupo El Paso, que influiría de forma decisiva en la difusión del informalismo español o abstracción expresiva. El viaje que realiza al Sahara en el año 1969, cuyo ambiente le influye en su concepción de la pintura, da como resultado un predominio del blanco de la arena especialmente. A esta fase le sigue otra titulada Antropofaunas y Neardentalios, serie compuesta por seres metamorfoseados y convertidos en fantásticos. Millares crea superficies pictóricas, de volúmenes casi escultóricos, que provocan en el espectador una intensa reacción emocional. Su obra, dentro del más puro informalismo, se exhibe en numerosos museos de todo el mundo como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Tate Gallery de Londres o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.
En 1970 Manolo Millares rueda, junto a Elvireta Escobio, un documental de unos veintidós minutos de duración, que se reeditaría en 2002.
Tras su fallecimiento se sucedieron exposiciones individuales de carácter retrospectivo. Entre ellas destaquemos las celebradas en Madrid (1973 y 1992), Bielefeld (1992), Las Palmas de Gran Canaria (1992) y Santiago de Compostela (1998).
En 2004 se publica su catálogo razonado de Pinturas (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Fundación Azcona.
Entre sus obras destaca su serie Homúnculos. En 2005 se produce el documental Cuadernos de contabilidad de Manolo Millares, con guión y dirección de Juan Millares Alonso, en el que se narra su vida.
domingo, 14 de febrero de 2010
VIRUTAS DE MODERNIDAD (II): ANTONIO SAURA
ANTONIO SAURA (1930-1998)
Antonio Saura creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona. Debido a una tuberculosis que lo mantuvo cinco años en cama a partir de 1943, empezó a pintar y a escribir en 1947. Sin educación académica, comienza su carrera artística como autodidacta. Expone por primera vez en 1950 en la librería Libros de Zaragoza y después en la librería Buchholz de Madrid donde en 1952 presenta sus primeras pinturas oníricas y surrealistas. Tras su traslado a París de 1954 a 1956, se suma en un primer tiempo al Surrealismo, movimiento del que se distancia rápidamente.
Inicia trabajos experimentales en series que titula "Fenómenos" y "Grattages". En 1954, abandona la abstracción. Ese mismo año se casa con Gunhild Madeleine Augot. En 1956 realiza sus primeras pinturas en blanco y negro a partir de la estructura del cuerpo femenino.
Tras su vuelta a España funda junto con otros artistas el grupo El Paso (1957-1959). Expone por primera vez en París en la Galería Stadler en 1957. El año siguiente, 1958, participa junto con Antoni Tàpies y Eduardo Chillida en la Bienal de Venecia y en 1959 es invitado a la segunda edición de Documenta en Kassel (Alemania). En 1958 pinta sus primeros "Retratos Imaginarios" en los cuales hacen su aparición la serie "Brigitte Bardot". Entre 1957 y 1960 realiza varias series de pinturas de gran formato cuyos temas serán recurrentes a lo largo de su obra: "Crucifixiones". "Sudarios", "Retrato", "Retratos imaginarios", "Desnudos", "Desnudos-Paisaje", "Curas" , "El Perro de Goya" y "Multitudes". En 1958 inicia, con una serie de litografías titulada "Pintiquiniestras", la que será una fértil obra impresa que desarrollará durante toda su vida. A finales de años 1950 expuso con Antoni Tàpies, en una muestra conjunta en la Documenta de 1959 en Múnich. Ambos son los principales exponentes del arte informal español. En 1960 abandona el uso exclusivo del blanco y negro en la pintura al óleo y comienza diversas series de carácter acumulativo y repetitivo que realiza sobre papel. A partir de 1961 expone regularmente en la Galería Pierre Matisse de Nueva York. En 1965 destruye un centenar de sus lienzos. En 1967, traslada su residencia definitivamente a París, expone regularmente en la Galerie Stadler y en el último año de su vida en la Galerie Lelong
La mayor parte de la obra de Antonio Saura es figurativa y se caracteriza por el conflicto con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica. Es un conflicto con un mundo lleno de contradicciones y falto de seguridad, en el que impera el pesimismo.
En 1997, Antonio Saura fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha, la cual ha dado su nombre al edificio de la ciudad de Cuenca que alberga la Facultad de Bellas Artes. Su discurso de aceptación fue leido por su hija, la actriz Marina Saura.
VIDEOS SOBRE LA OBRA DE ANTONIO SAURA
ANTONIO SAURA HABLA SOBRE LA GENERACIÓN DEL 27
http://www.youtube.com/watch?v=jyhWnJ8i5QM&feature=related
ANTONIO SAURA EN LA GALERÍA ATLÁNTICA
http://www.youtube.com/watch?v=VUSPfw9DamE&feature=related
VIDEO SOBRE LA OBRA DE ANTONIO SAURA
http://www.youtube.com/watch?v=6a8tcoJi_tU
Antonio Saura creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona. Debido a una tuberculosis que lo mantuvo cinco años en cama a partir de 1943, empezó a pintar y a escribir en 1947. Sin educación académica, comienza su carrera artística como autodidacta. Expone por primera vez en 1950 en la librería Libros de Zaragoza y después en la librería Buchholz de Madrid donde en 1952 presenta sus primeras pinturas oníricas y surrealistas. Tras su traslado a París de 1954 a 1956, se suma en un primer tiempo al Surrealismo, movimiento del que se distancia rápidamente.
Tras su vuelta a España funda junto con otros artistas el grupo El Paso (1957-1959). Expone por primera vez en París en la Galería Stadler en 1957. El año siguiente, 1958, participa junto con Antoni Tàpies y Eduardo Chillida en la Bienal de Venecia y en 1959 es invitado a la segunda edición de Documenta en Kassel (Alemania). En 1958 pinta sus primeros "Retratos Imaginarios" en los cuales hacen su aparición la serie "Brigitte Bardot". Entre 1957 y 1960 realiza varias series de pinturas de gran formato cuyos temas serán recurrentes a lo largo de su obra: "Crucifixiones". "Sudarios", "Retrato", "Retratos imaginarios", "Desnudos", "Desnudos-Paisaje", "Curas" , "El Perro de Goya" y "Multitudes". En 1958 inicia, con una serie de litografías titulada "Pintiquiniestras", la que será una fértil obra impresa que desarrollará durante toda su vida. A finales de años 1950 expuso con Antoni Tàpies, en una muestra conjunta en la Documenta de 1959 en Múnich. Ambos son los principales exponentes del arte informal español. En 1960 abandona el uso exclusivo del blanco y negro en la pintura al óleo y comienza diversas series de carácter acumulativo y repetitivo que realiza sobre papel. A partir de 1961 expone regularmente en la Galería Pierre Matisse de Nueva York. En 1965 destruye un centenar de sus lienzos. En 1967, traslada su residencia definitivamente a París, expone regularmente en la Galerie Stadler y en el último año de su vida en la Galerie Lelong
La mayor parte de la obra de Antonio Saura es figurativa y se caracteriza por el conflicto con la forma. Sus cuadros son expresivos y dan la impresión de ser obsesivos en su franqueza pictórica. Es un conflicto con un mundo lleno de contradicciones y falto de seguridad, en el que impera el pesimismo.
En 1997, Antonio Saura fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha, la cual ha dado su nombre al edificio de la ciudad de Cuenca que alberga la Facultad de Bellas Artes. Su discurso de aceptación fue leido por su hija, la actriz Marina Saura.
VIDEOS SOBRE LA OBRA DE ANTONIO SAURA
ANTONIO SAURA HABLA SOBRE LA GENERACIÓN DEL 27
http://www.youtube.com/watch?v=jyhWnJ8i5QM&feature=related
ANTONIO SAURA EN LA GALERÍA ATLÁNTICA
http://www.youtube.com/watch?v=VUSPfw9DamE&feature=related
VIDEO SOBRE LA OBRA DE ANTONIO SAURA
http://www.youtube.com/watch?v=6a8tcoJi_tU
viernes, 5 de febrero de 2010
VIRUTAS DE MODERNIDAD: FERNANDO ZÓBEL ( I )
VIRUTAS DE MODERNIDAD: FERNANDO ZÓBEL (I)por Fernando Clemot
Es una anécdota conocida, casi transformada en boutade, la forma en que Fernando Zóbel (Manila, 1924-Roma, 1984) llego a descubrir la estética que luego gobernaría toda su carrera artística. Se dice que el autor volvía de su estudio con una carpeta con sus pinturas cuando una fuerte tormenta caló por completo sus cuadros. Al llegar a su casa, en la visión de esas pinturas emborronadas por el agua percibió la magia de aquellas nuevas formas resultantes, difusas, suaves en el trazo pero a la vez creadoras de una sugerencia violentísima. De aquel percance surgió la idea que aquel era el camino a seguir para consolidar una obra con una coherencia propia.
Es una anécdota conocida, casi transformada en boutade, la forma en que Fernando Zóbel (Manila, 1924-Roma, 1984) llego a descubrir la estética que luego gobernaría toda su carrera artística. Se dice que el autor volvía de su estudio con una carpeta con sus pinturas cuando una fuerte tormenta caló por completo sus cuadros. Al llegar a su casa, en la visión de esas pinturas emborronadas por el agua percibió la magia de aquellas nuevas formas resultantes, difusas, suaves en el trazo pero a la vez creadoras de una sugerencia violentísima. De aquel percance surgió la idea que aquel era el camino a seguir para consolidar una obra con una coherencia propia.
Foto: Jardín seco. Zóbel.Sería ridículo reducir su búsqueda a este detalle, significativo por lo gráfico, pero anécdota al fin y al cabo. Es muy posible que tengan mucho más que ver en la consolidación de su estilo inconfundible su vocación ineludible y la influencia de Rothko y Pollock que esa archifamosa tarde de lluvia.
Zóbel entraría en contacto con las nuevas tendencias que al acabar la guerra incendiaban la pintura norteamericana tras acabar sus estudios en Harvard, en 1946, de la mano de Red Champion y Jim Pfeufer, dos figuras clave en su formación y promoción artística en aquellos primeros años. Allí conoce lo que se ha dado en llamar el Boston Style y que influye de forma clara a sus primeras obras. Tras esa época de formación volvería a Filipinas donde sufre una crisis que le lleva incluso a destruir en 1953 buena parte de su producción. Son años en los que la vocación del pintor se debate con los negocios de la compañía familiar, Ayala y Compañía. Este choque entre la voluntad y el pragmatismo le llevará finalmente a una fuerte depresión en 1954. Ese mismo año decide dejar Manila y volver a Estados Unidos donde entra en la Rhode Island School of Design, donde descubrirá los trabajos de Mark Rothko. Queda impresionado por sus grandes masas de color y llega a la conclusión que él, como diseñador, podría realizar algo parecido usando únicamente la línea.
Con la conciencia de que ya tiene la base sobre la que quiere modular su obra vuelve a Manila en 1958 y entra en contacto con el experto en caligrafía china Chen Bing Sun, una influencia minimalista que nutrirá y enriquecerá una obra que empieza a definirse. En 1960 Zóbel se instala finalmente en España, abandona la compañía familiar y decide dedicar su tiempo únicamentea su vocación pictórica. De esa época es la serie “Saetas”, muy inspirada en la caligrafía oriental. A ésta le sigue la llamada “Serie negra” (1960-1964) que se caracteriza por la utilización del negro como único color en los lienzos. El retorno del color a los cuadros de Zóbel se produce en 1963-1964 influido por sus estancias cada vez más continuadas en Cuenca, donde se impregna de esa observación de la naturaleza y esencialismo en sus composiciones que dominarán buena parte de su obra hasta su muerte.
Otra serie que ocuparía a Zóbel en todos estos años es el inicio de su serie “Diálogos”, basada en la observación de los maestros pictóricos de todos los tiempos. Para la realización de esta serie visitaría buena parte de los principales museos en busca de su reinterpretación de los clásicos
No menos importante será la faceta de Fernando Zóbel como impulsor cultural. Desde 1955 el pintor se había interesado por el trabajo de los pintores españoles pero no sería hasta su llegada en 1960 cuando su figura desarrolla la necesaria función de catalizador del movimiento abstracto español. Ayudado por Gustavo Torner y Gerardo Rueda consigue que el Ayuntamiento de Cuenca les ceda parte del recinto de las Casas Colgadas para crear en 1966 el Museo de Arte Abstracto Español, que en pocos años se convertiría en una referencia a nivel europeo y mundial.
Imagen de Pippermint frappé ( C. Saura, 1967) filmada en parte en el Museo de Arte Abstracto
En las colecciones del museo (que desde 1980 adquiere la Fundación Juan March) hay una representación inigualable de las principales tendencias abstractas españolas de aquellos años:
-El grupo El Paso (1957-1960) al que pertenecer Millares, Saura, Fiero, Canogar, Chirino y Rivera.
-Dau al Set (1948-1953) en el que destacan Tàpies y Cuixart.
-Los artistas valencianos Eusebio Sempere y Amadeo Gabino dentro del grupo Parpalló ( 1957-1961)
- El grupo de escultores y pintores vascos entre los que destacan Chillida, Oteiza y Barrenechea y que formaría el grupo Gaur ( 1966-1970)
Pasados más de veinticinco años desde su muerte la figura de Fernando Zóbel (como pintor y promotor museístico) sigue siendo decisiva para entender el arte abstracto español de los últimos cincuenta años
ENLACES
Artículo en el diario El País ( octubre de 2009)
http://www.elpais.com/articulo/cultura/vuelta/mundo/Fernando/Zobel/elpepicul/20090326elpepicul_6/Tes
Audio sobre programa en Rne sobre la figura de Fernando Zóbel ( 2009)
http://www.ivoox.com/pintor-fernando-zobel-documentos-rne-audios-mp3_rf_195896_1.html
Web oficial de Fernando Zóbel
http://www.fernandozobel.com/home.htm
sábado, 23 de enero de 2010
MATISSE Y DERAIN EN COLLIURE: EL VERANO DEL FAUVISMO
Por Fernando Clemot“La couleur ideé
et non la couleur oeil
et non la couleur teinte”
A. Derain
et non la couleur oeil
et non la couleur teinte”
A. Derain
Al igual que el inicio simbólico del Impresionismo lo marcan el Sallon des Refusés de 1863 y la archifamosa “Olympia” de Manet, el punto de inicio del movimiento Fauve (las fieras, los animales salvajes) lo señala el Salón de Otoño de París de 1905. En una misma sala, la número siete del Grand Palais, se citaron en aquellas jornadas obras de Matisse, Marquet, Vlamink, Derain, Manguin, Othon Friesz y Roualt.
Aquellas formas planas de colores violentísimos incluidos en la mayoría de las obras hizo que el crítico Louis Vauxcelles, del diario Gil Blas, les otorgara el nombre colectivo de Les Fauves, con el que tendrían que pasar a la historia pese a que nunca se postularon como un grupo homgéneo. El movimiento, por así llamarlo, fue breve y se movió más bien por relaciones personales que por afinidades pictóricas. Los más relacionados artísticamente eran Matisse (al que siempre se le adjudicó el papel de líder del movimiento) y Marquet ya que habían sido discípulos de Gustave Moreau en la École des Beaux-Arts y a menudo trabajaban en colaboración. También Roualt había sido discípulo de Moreau pero venía trazando desde años atrás una trayectoria absolutamente distinta, la que plasma en sus series de dibujos sobre temas bíblicos, sus “Prostitutas y payasos”, destila allí ese fervor creyente-moralizante que domina toda su obra. Por otra parte Derain y Vlamink habían participado también conjuntamente en diversas obras pero su orientación iba más hacia el estilo simplista y contundente del Expresionismo, de los Munch, Grunewald o Kokoschka, con los que estaban relacionados ya en los primeros años del siglo.
Pese a estas diferencias señaladas coincidirían los artistas del salón siete en varias exposiciones más, el título que les había adjudicado Vauxcelles se vendía bien y Matisse, que era también el mayor del grupo, consiguió que la familia Stein y algunos magnates rusos (Schukine, Morosov) compraran buena parte de la producción de estos artistas. Coincidieron en unas últimas exposiciones pero hacia 1908 ya se puede decir que buena parte del grupo está englobado en las filas del Cubismo.
Había sido el Fauvismo un movimiento breve, un poco impostado, del que tal vez sea uno de los momentos más brillantes y auténticos: la breve estancia de Derain en casa de Matisse, en el verano de 1905.
Llegaba Matisse a la villa el 15 de mayo y estaría en ella hasta septiembre mientras que Derain llegaría a principios de junio y estaría allí hasta mediados del mes siguiente. Fue un plazo breve el que coincidieron, apenas un mes, pero ambos estaban decididos a inventar en Colliure “un modo personal de expresión”, un espacio lleno de luz entre el realismo y los abismos de la abstracción. En ese mes de junio recorrerían la villa de arriba abajo, Derain estaba devorado por la luz del paisaje, se lo contaba así en una carta a su amigo Vlamink: “...pero sobre todo es la luz. Una luz rubia, dorada...”. Todas las obras de este verano destacan por su violencia cromática y cierta heterogeneidad estilística (puntillismo, expresionismo, naïf...) Trabajaron los pintores codo con codo, de sol a sol, con una pasión pocas veces conocida.
A principios de julio marcharía Derain de Colliure para no volver jamás. Matisse si que lo haría, en largos periodos entre ese verano de 1905 y el de 1911.
Aquellas formas planas de colores violentísimos incluidos en la mayoría de las obras hizo que el crítico Louis Vauxcelles, del diario Gil Blas, les otorgara el nombre colectivo de Les Fauves, con el que tendrían que pasar a la historia pese a que nunca se postularon como un grupo homgéneo. El movimiento, por así llamarlo, fue breve y se movió más bien por relaciones personales que por afinidades pictóricas. Los más relacionados artísticamente eran Matisse (al que siempre se le adjudicó el papel de líder del movimiento) y Marquet ya que habían sido discípulos de Gustave Moreau en la École des Beaux-Arts y a menudo trabajaban en colaboración. También Roualt había sido discípulo de Moreau pero venía trazando desde años atrás una trayectoria absolutamente distinta, la que plasma en sus series de dibujos sobre temas bíblicos, sus “Prostitutas y payasos”, destila allí ese fervor creyente-moralizante que domina toda su obra. Por otra parte Derain y Vlamink habían participado también conjuntamente en diversas obras pero su orientación iba más hacia el estilo simplista y contundente del Expresionismo, de los Munch, Grunewald o Kokoschka, con los que estaban relacionados ya en los primeros años del siglo.
Pese a estas diferencias señaladas coincidirían los artistas del salón siete en varias exposiciones más, el título que les había adjudicado Vauxcelles se vendía bien y Matisse, que era también el mayor del grupo, consiguió que la familia Stein y algunos magnates rusos (Schukine, Morosov) compraran buena parte de la producción de estos artistas. Coincidieron en unas últimas exposiciones pero hacia 1908 ya se puede decir que buena parte del grupo está englobado en las filas del Cubismo.
Había sido el Fauvismo un movimiento breve, un poco impostado, del que tal vez sea uno de los momentos más brillantes y auténticos: la breve estancia de Derain en casa de Matisse, en el verano de 1905.
Llegaba Matisse a la villa el 15 de mayo y estaría en ella hasta septiembre mientras que Derain llegaría a principios de junio y estaría allí hasta mediados del mes siguiente. Fue un plazo breve el que coincidieron, apenas un mes, pero ambos estaban decididos a inventar en Colliure “un modo personal de expresión”, un espacio lleno de luz entre el realismo y los abismos de la abstracción. En ese mes de junio recorrerían la villa de arriba abajo, Derain estaba devorado por la luz del paisaje, se lo contaba así en una carta a su amigo Vlamink: “...pero sobre todo es la luz. Una luz rubia, dorada...”. Todas las obras de este verano destacan por su violencia cromática y cierta heterogeneidad estilística (puntillismo, expresionismo, naïf...) Trabajaron los pintores codo con codo, de sol a sol, con una pasión pocas veces conocida.
A principios de julio marcharía Derain de Colliure para no volver jamás. Matisse si que lo haría, en largos periodos entre ese verano de 1905 y el de 1911.
Más información: www.colliure.com o en Association Fenêtre Ouverte sur le Fauvisme: Mairie de Collioure-66190 Colliure ( tel.04-68-820566) Espace Fauve: Quai de l´Amirauté-66190 Colliure (Tel.04-68-980716)
viernes, 1 de enero de 2010
EL PABELLÓN DE LA SEÑORITA SAY: SOBRE LA MISTIFICACIÓN DE CAMILLE CLAUDEL
" ...el palacete Biron no está todavía preparado. La idea de incluir algunas esculturas de la señorita Say (trascripción fonética de la señorita C.) me procurará un gran placer..."
Carta de Auguste Rodin a su amigo Morhardt, 1912
Cuesta arrancar la azarosa vida de Camille Claudel (1864-1943) de las garras del que fue su amante y maestro durante quince años, Auguste Rodin, sacarla del anecdotario de los dos musa-genio (Modigliani-Jeanne Hebuterne, Dalí-Gala...) Su obra ha tenido otras amenazas; no menos reduccionista ha sido su encasillamiento como monumento de la lucha feminista, se ha creado con todo ello un arquetipo alrededor de su figura que impide que se valore a la artista por el peso de su obra. Se impone rescatar a la artista del lastre insoportable de su anecdotario vital, a la escultora de la amante.
Porque el talento de Camille Claudel fue mucho más allá de ser la musa de una de las figuras más importantes de la escultura, fue una artista excelente, innovadora, posiblemente una de las figuras más destacadas de las últimas décadas del siglo. Fue una buena alumna y tuvo inmejorables maestros, supo incrementar su talento con las enseñanzas de Alfred Boucher, su primer profesor que hizo que entrara en la prestigiosa Academia Colarossi, Dubois y el propio Rodin. Hacia 1880, no se podían elegir mejores maestros.
Cuando conoce a Rodin (1840-1917) él tenía cuarenta y tres años y Camille diecinueve. Él ya era un escultor de cierto renombre y al conocer a la joven no le deslumbrará únicamente solo su belleza si no que reconoce en ella un alma gemela, alguien que como él vivía por y para la escultura, alejada del Academicismo del momento, alguien que buscaba la vitalidad en los perfiles, una artista que deseaba dotar a la piedra de emoción y movimiento.
"Querida, me arrodillo cada día ante tu cuerpo hermoso, lo abrazo..." (Carta de Rodin a Camille Claudel, 1885)
Pronto se reconocerían en las esculturas de Rodin el rostro y el cuerpo de la joven. Crece el escándalo -él estaba comprometido desde 1864 con Rose Beuret- y esta relación con tintes de novela rosa modificaría para siempre la biografía y la percepción de la obra de Camille Claudel. Progresa la relación en uno de los mejores momentos creativos de Camille, que en estos primeros años se complementa perfectamente con Rodin, la interacción de deseo y pasión artística acaba siendo muy beneficiosa para ambos. Se ha especulado con la intervención directa de la joven en algunas figuras de la monumental "Puerta del infierno" (1883-4) pero no se ha podido probar tal colaboración. De estos primeros años de relación son fruto "El beso" y "La aurora", por parte de él, y "El vals" y "El abandono" que serán las principales creaciones de Camille en estos primeros años.
Existirá en estos años -especialmente entre 1885 y 1892- una comunicación muy fructífera entre ellos. Son los mejores años de su amor, los de los encuentros en Le Clos Foyen, en la Avenue d´Italie. El talento de la joven escultora crece de la mano de Rodin, que vive también su más excelso momento artístico. Camille deja definitivamente en este tiempo el Academicismo de la época de Boucher para adaptar una expresión más cálida y naturalista. En palabras del propio Rodin:
"Le he enseñado dónde encontrar el oro, pero todo el oro que encuentra le pertenece a ella exclusivamente"
Consecuencia de estos últimos momentos de felicidad y plenitud artística son sus mejores obras; "La edad madura", de 1895, "Las habladoras", de 1897, y "La ola", de 1898, ya algo influenciada por el Art Noveau y el arte japonés tan en boga en aquellos días.
Será a partir de 1894 cuando la relación con Auguste se complique con sus continuos accesos de celos hasta que la ruptura definitiva se produce en 1898. Pese a esta separación la obra de la artista sigue teniendo una muy notable aceptación y todavía participa en exposiciones en galerías importantes. En estos años se dedica en cuerpo y alma al trabajo y apenas se le ve salir de su apartamento. El compositor Claude Debussy pasa fugazmente por su vida hasta que, cada vez más confundida, comienzan a agravarse sus problemas mentales. En diciembre de 1905 realiza su última exposición en París.
La cuesta abajo no había hecho más que empezar. Se suceden desde entonces los accesos de pánico y a menudo destruye con una maza las obras de su taller. Serán pocas las esculturas que sobrevivan a estos años de soledad y de furia. En 1913, tras la muerte de su padre, es ingresada en el sanatorio de Ville-Evrard siéndole diagnosticada una "manía persecutoria contra Msr.Rodin, objeto de todas sus recriminaciones" y "continuos delirios de grandeza". Moriría tras una larguísima estancia en el sanatorio de Montevergues, en octubre de 1943. Auguste Rodin lo había hecho mucho antes, en 1917, reconocido universalmente. En sus últimas semanas se casaría el escultor con Rose Beuret, con la que llevaba más de cincuenta años de relación.
Lo mejor de la obra de Camille Claudel, quince esculturas, se reunirá en uno de los pabellones del Museo Rodin, en el palacete Biron. Su hermano, el poeta Paul Claudel, legará en 1951 una parte de su colección; se soldaban definitivamente dos almas, las de Camille y Auguste, artistas con diferente suerte, pero que en vida estuvieron unidas por su excelencia en el arte y la pasión.
Carta de Auguste Rodin a su amigo Morhardt, 1912
Cuesta arrancar la azarosa vida de Camille Claudel (1864-1943) de las garras del que fue su amante y maestro durante quince años, Auguste Rodin, sacarla del anecdotario de los dos musa-genio (Modigliani-Jeanne Hebuterne, Dalí-Gala...) Su obra ha tenido otras amenazas; no menos reduccionista ha sido su encasillamiento como monumento de la lucha feminista, se ha creado con todo ello un arquetipo alrededor de su figura que impide que se valore a la artista por el peso de su obra. Se impone rescatar a la artista del lastre insoportable de su anecdotario vital, a la escultora de la amante.
Porque el talento de Camille Claudel fue mucho más allá de ser la musa de una de las figuras más importantes de la escultura, fue una artista excelente, innovadora, posiblemente una de las figuras más destacadas de las últimas décadas del siglo. Fue una buena alumna y tuvo inmejorables maestros, supo incrementar su talento con las enseñanzas de Alfred Boucher, su primer profesor que hizo que entrara en la prestigiosa Academia Colarossi, Dubois y el propio Rodin. Hacia 1880, no se podían elegir mejores maestros.
Cuando conoce a Rodin (1840-1917) él tenía cuarenta y tres años y Camille diecinueve. Él ya era un escultor de cierto renombre y al conocer a la joven no le deslumbrará únicamente solo su belleza si no que reconoce en ella un alma gemela, alguien que como él vivía por y para la escultura, alejada del Academicismo del momento, alguien que buscaba la vitalidad en los perfiles, una artista que deseaba dotar a la piedra de emoción y movimiento.
"Querida, me arrodillo cada día ante tu cuerpo hermoso, lo abrazo..." (Carta de Rodin a Camille Claudel, 1885)
Pronto se reconocerían en las esculturas de Rodin el rostro y el cuerpo de la joven. Crece el escándalo -él estaba comprometido desde 1864 con Rose Beuret- y esta relación con tintes de novela rosa modificaría para siempre la biografía y la percepción de la obra de Camille Claudel. Progresa la relación en uno de los mejores momentos creativos de Camille, que en estos primeros años se complementa perfectamente con Rodin, la interacción de deseo y pasión artística acaba siendo muy beneficiosa para ambos. Se ha especulado con la intervención directa de la joven en algunas figuras de la monumental "Puerta del infierno" (1883-4) pero no se ha podido probar tal colaboración. De estos primeros años de relación son fruto "El beso" y "La aurora", por parte de él, y "El vals" y "El abandono" que serán las principales creaciones de Camille en estos primeros años.
Existirá en estos años -especialmente entre 1885 y 1892- una comunicación muy fructífera entre ellos. Son los mejores años de su amor, los de los encuentros en Le Clos Foyen, en la Avenue d´Italie. El talento de la joven escultora crece de la mano de Rodin, que vive también su más excelso momento artístico. Camille deja definitivamente en este tiempo el Academicismo de la época de Boucher para adaptar una expresión más cálida y naturalista. En palabras del propio Rodin:
"Le he enseñado dónde encontrar el oro, pero todo el oro que encuentra le pertenece a ella exclusivamente"
Consecuencia de estos últimos momentos de felicidad y plenitud artística son sus mejores obras; "La edad madura", de 1895, "Las habladoras", de 1897, y "La ola", de 1898, ya algo influenciada por el Art Noveau y el arte japonés tan en boga en aquellos días.
Será a partir de 1894 cuando la relación con Auguste se complique con sus continuos accesos de celos hasta que la ruptura definitiva se produce en 1898. Pese a esta separación la obra de la artista sigue teniendo una muy notable aceptación y todavía participa en exposiciones en galerías importantes. En estos años se dedica en cuerpo y alma al trabajo y apenas se le ve salir de su apartamento. El compositor Claude Debussy pasa fugazmente por su vida hasta que, cada vez más confundida, comienzan a agravarse sus problemas mentales. En diciembre de 1905 realiza su última exposición en París.
La cuesta abajo no había hecho más que empezar. Se suceden desde entonces los accesos de pánico y a menudo destruye con una maza las obras de su taller. Serán pocas las esculturas que sobrevivan a estos años de soledad y de furia. En 1913, tras la muerte de su padre, es ingresada en el sanatorio de Ville-Evrard siéndole diagnosticada una "manía persecutoria contra Msr.Rodin, objeto de todas sus recriminaciones" y "continuos delirios de grandeza". Moriría tras una larguísima estancia en el sanatorio de Montevergues, en octubre de 1943. Auguste Rodin lo había hecho mucho antes, en 1917, reconocido universalmente. En sus últimas semanas se casaría el escultor con Rose Beuret, con la que llevaba más de cincuenta años de relación.
Lo mejor de la obra de Camille Claudel, quince esculturas, se reunirá en uno de los pabellones del Museo Rodin, en el palacete Biron. Su hermano, el poeta Paul Claudel, legará en 1951 una parte de su colección; se soldaban definitivamente dos almas, las de Camille y Auguste, artistas con diferente suerte, pero que en vida estuvieron unidas por su excelencia en el arte y la pasión.
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